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Dikhotomy sur les frontières de l’art : comment l’art numérique brise les conventions classiques

18.9.

Dikhotomy transforme les icônes de l’art classique en histoires numériques absurdes qui brisent les conventions et vous font réfléchir. À quoi ressemble une œuvre d’art de la Renaissance qui rencontre la manipulation numérique et le surréalisme ? Préparez-vous à une aventure visuelle où les vieux maîtres se mêlent aux absurdités modernes.

Pouvez-vous commencer par vous présenter et nous parler un peu de vous ? Dites-nous qui se cache derrière Dikhotomy.

Je m’appelle Fernando et je suis un artiste numérique vivant à Barcelone. Après plusieurs années de travail en tant qu’illustrateur dans des agences de publicité, principalement axées sur l’industrie de la mode, j’ai senti qu’il était temps d’explorer ma propre voie artistique. Mon travail est en constante évolution, motivé par l’interaction avec le public et une recherche personnelle de nouvelles idées. La publicité et la culture pop sont mes principaux piliers d’inspiration et c’est cette combinaison qui définit la plupart de mes travaux aujourd’hui.

Comment êtes-vous arrivé à l’art et au design ? Y a-t-il eu des moments clés qui vous ont mis sur cette voie ?
Comme tout enfant artistiquement curieux, j’ai commencé à m’intéresser au monde de la bande dessinée, du cinéma et de la télévision dans les années 80. Je me souviens avoir passé des heures dans ma chambre à dessiner, et ma nature observatrice me disait déjà à l’époque que c’était là mon véritable monde. Après quelques années de mauvaises notes au lycée, j’ai décidé de me tourner vers quelque chose de plus conforme à mes intérêts, ce qui m’a amené à étudier l’art à Barcelone. À partir de là, tout s’est fait naturellement et je continue à développer mon travail aujourd’hui, en explorant différents domaines de l’illustration et du graphisme.

Qu’est-ce qui vous a inspiré pour créer des œuvres d’art numérique qui combinent des thèmes classiques avec des éléments surréalistes et satiriques ?
Je me souviens très bien avoir regardé le film Faites le mur ! il y a quelques années et avoir été époustouflé par l’art de rue des artistes qui y figuraient. Leur capacité à combiner un message rebelle avec le surréalisme tout en transmettant un message aussi puissant était fascinante. J’ai toujours été attiré par le pop art et ses différentes variantes, notamment en raison de son lien étroit avec la publicité. De tous ces mouvements, j’ai toujours été plus captivé par la fusion artistique du classique et du contemporain à travers le collage et la manipulation numérique créative, où je sens que je peux vraiment explorer de nouvelles formes d’expression

Y a-t-il une œuvre classique que vous voulez réinterpréter depuis longtemps, mais pour laquelle vous n’avez pas encore trouvé la bonne approche ?
Heureusement, il existe encore de nombreuses œuvres emblématiques de l’histoire de l’art que je n’ai pas encore réinterprétées. Je suis fasciné par les œuvres du grand peintre Edward Hopper, et je suis également un grand admirateur de certains des meilleurs artistes de mon pays, tels que Picasso et Salvador Dali. Récemment, j’ai pensé à réinterpréter certains de leurs autoportraits, toujours à partir d’une profonde admiration pour leurs œuvres. C’est une façon pour moi de rendre hommage tout en explorant ma propre vision artistique.

Pourriez-vous décrire votre processus créatif, de la conception à la réalisation finale ? Savez-vous toujours d’emblée comment adapter une pièce classique ?
L’inspiration est toujours imprévisible et je suis sûr que beaucoup d’autres artistes savent exactement ce que je veux dire. Lors de la création de ce style d’art, il est important que les différents concepts se fondent le plus naturellement possible et, surtout, qu’ils évoquent quelque chose chez le spectateur. Qu’il s’agisse d’un sourire, d’une pensée, d’une critique ou de toute réflexion qui dépasse la surface. C’est la magie de l’art : créer un lien qui résonne d’une manière ou d’une autre.

Quelle est la première œuvre dans laquelle vous avez commencé à expérimenter cette forme d’art et quelle a été la réaction de votre entourage ?
Je ne nie pas que le fait de jouer avec des figures emblématiques de l’histoire de l’art garantit un certain impact sur le spectateur. En les abordant avec une touche ironique et surréaliste, j’ai pu donner à ces classiques une tournure plus moderne, avec un esprit pop, et je savais que cela trouverait un écho. Dans ma recherche constante d’inspiration, je suis tombé sur des œuvres d’autres artistes qui étaient vraiment étonnantes, ce qui m’a encouragé à créer mes propres œuvres. La Jeune Fille à la perle de Johannes Vermeer est devenu la base de ma première réinterprétation de l’un des portraits les plus emblématiques de l’histoire de l’art.

Où aimez-vous créer ? Avez-vous un lieu ou un environnement préféré qui vous inspire ?
J’ai l’habitude de créer toutes mes illustrations dans mon studio, dans un petit village tranquille près de Barcelone. Bien qu’aujourd’hui je trouve la plupart de mon inspiration dans les médias sociaux, il ne fait aucun doute que je trouve les expériences les plus enrichissantes en visitant des musées et des expositions. C’est dans ces espaces que je me connecte vraiment à l’essence de l’art et que je laisse venir de nouvelles idées, que je traduis ensuite dans mon propre langage artistique.

Avez-vous des rituels ou des habitudes qui vous aident dans votre travail créatif ?
L’inspiration est sans aucun doute la partie la plus importante et parfois la plus difficile de certains de mes travaux, mais je passe également de nombreuses heures à m’assurer qu’ils sont bien exécutés. Mes rituels créatifs dépendent du jour et des circonstances, même si, dans mon cas, ils ont tendance à être assez irréguliers. Il y a des moments où l’inspiration coule plus facilement, et d’autres où elle est plus difficile à trouver. Dans ces moments-là, il est essentiel d’être patient avec le processus, sinon la frustration et le drame s’installent rapidement.

Comment conciliez-vous liberté de création et exigences commerciales ?
Je n’ai aucune difficulté à lier directement mon travail à l’aspect commercial. Comme je l’ai dit, ma carrière a toujours été liée à l’industrie et à la publicité, ce qui m’a aidé à comprendre cet équilibre. Tout en essayant de conserver un style reconnaissable, j’explore constamment de nouvelles techniques. Pour moi, il n’y a pas de conflit entre les sphères artistique et commerciale, mais plutôt une opportunité de combiner les deux mondes et de continuer à se développer.

Pouvez-vous citer un de vos dessins préférés ? Pourquoi l’avez-vous choisi ? Avez-vous une anecdote sur sa création ?
Mon illustration de style collage « Punk Concerts » est probablement l’une de mes préférées. Principalement parce qu’elle me rappelle les groupes de rock légendaires qui ont marqué mon enfance. Ceux qui aiment ce style de musique spécifique des années 80 savent exactement ce que je veux dire. C’est un hommage à l’énergie brute et rebelle qui caractérisait cette époque.

Quel est votre avenir ? Prévoyez-vous de grands projets ?
Je mets régulièrement à jour mon travail, qui évolue entre l’illustration numérique, le collage et quelques travaux vectoriels. Récemment, j’ai envisagé d’élargir mon portfolio avec une collection de nymphes inspirées par les grands maîtres de la peinture baroque et néoclassique, mais placées dans des environnements urbains ou des scènes immersives. Mon objectif est que ces œuvres soient visuellement frappantes et attrayantes pour la décoration d’espaces personnels et intimes, en créant un contraste entre le classique et le moderne.

Collection Dikhotomy

Tags: Art, artist, artwork, Home Decor, Home Style

Natalie

Social media manager, photographer and creative head. My superpower is that I can retell all the lines from Harry Potter.

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